BOEM 2023
Bio’s en toelichtingen bij de composities (pagina wordt voortdurend aangevuld)
Bio's et notes sur les compositions (cette page est continuellement mise à jour)
Bio's and notes on the compositions (page is continuously updated)
Concert EEN
Concert TWEE
.
Prudente Eduardo - Calcaire
Calcaire
NL - Het stuk is geïnspireerd door de vorming van kalksteen, die de bodem vormt van de Famenne-regio in België, evenals door het volledige klankpalet dat in dit gebied bestaat.
Het verhaal begint met het proces van bodemerosie, dat zijn puin naar de bodem van de zee draagt, waar ze in de loop der jaren een proces van ophoping ondergaan, uiteindelijk zeer poreuze bodem worden die, dankzij de constante aanwezigheid van water, cyclisch verslechtert.
Reflecterend op dit proces trok ik een analogie met het leven zelf, waarin we in de loop der jaren objecten, gedachten, overtuigingen, gewoonten (de rots/het lichaam) accumuleren, maar altijd onderhevig aan transformaties die zeer langzaam verlopen, door bijna onmerkbare natuurlijke fenomenen (het water/de ziel) die aanwezig zijn en hun koers volgen.
Het hele verhaal wordt verteld vanuit het perspectief van een kind dat speelt aan het oppervlak van het water.
FR - La pièce est inspirée par la formation de la rochecalcaire, qui compose le sol de la Famenne en Belgique, ainsi que par toute lapalette sonore qui existe dans cette région.
Le récit commence par le processus d'érosion du sol, quitransporte ses débris jusqu'au fond de la mer, où ils subissent un processus d'accumulationau fil des années, devenant ainsi un sol très poreux qui, grâce à la présenceconstante de l'eau, finit par se détériorer de manière cyclique.
En réfléchissant à ce processus, j'ai fait une analogieavec la vie ellemême, où au fil des années, nous accumulons des objets, despensées, des convictions, des habitudes (la roche/le corps), mais toujourssujet à de transformations qui se déroulent très lentement, grâce à desphénomènes naturels presque imperceptibles (l'eau/l'âme) qui sont présents etsuivent leur cours.
Tout le récit est raconté du point de vue d'un enfantjouant à la surface de l'eau.
EN - The piece is inspired by the formation of limestone rock, which makes up the soil of the Famenne region in Belgium, as well as by the entire sonic palette that exists in this area.
The narrative begins with the process of soil erosion, which carries its debris to the bottom of the sea, where they undergo a process of accumulation over the years, eventually becoming highly porous soil that, thanks to the constant presence of water, deteriorates cyclically.
Reflecting on this process, I drew an analogy with life itself, where over the years, we accumulate objects, thoughts, beliefs, habits (the rock/the body), but always subject to transformations that occur very slowly, through almost imperceptible natural phenomena (the water/the soul) that are present and follow their course.
The entire narrative is told from the perspective of a child playing on the water's surface.
Bio
NL - Muzikant, muziekproducent, componist en geluidskunstenaar, Dudu Prudente komt oorspronkelijk uit Sergipe (Brazilië), aan de noordoostkust van Brazilië. Hij groeide op in Aracaju, tussen het binnenland en de zee, waar hij de rijke geografische en culturele diversiteit van deze regio absorbeerde, doordrenkt met muziek, ritmes en prachtige landschappen.
Met een diploma in communicatie van de Universidade Tiradentes (SE) en een opleiding in audioproductie van IATEC (RJ), heeft hij gedurende de afgelopen twee decennia samengewerkt met diverse artiesten in zijn Orístudio in Aracaju.
Dudu is lid van de groepen Anavantou, die de muzikale tradities van het noordoosten van Brazilië vermengt met die van België, het Braziliaanse experimentele ensemble Membrana en het Belgische instrumentale ensemble Munsch.
Momenteel woont Dudu in België, waar hij zijn reis voortzet door te componeren voor podiumkunsten en visuele kunsten, en recentelijk ook acousmatische stukken heeft gecreëerd, na het begin van zijn studie aan het Institut Musique et Recherches (BE), onder leiding van Annette Vande Gorne.
FR - Musicien, producteur musical, compositeur et créateur sonore, Dudu Prudente est originaire de Sergipe (Brésil), sur la côte du nord-est brésilien. Il a grandi à Aracaju, entre le sertão et la mer, absorbant la riche diversité géographique et culturelle de cette région, imprégnée de musique, rythmes et de beaux paysages.
Diplômé en communication de l'Université Tiradentes (SE) et en audio de l'IATEC (RJ), au cours des vingt dernières années, il a collaboré avec divers artistes dans son studio Orí à Aracaju.
Il est membre des groupes Anavantou, qui fusionne les traditions musicales du nord-est du Brésil avec celles de la Belgique, de l'expérimental brésilien Membrana et du groupe instrumental belge Munsch.
Actuellement résident en Belgique, Dudu poursuit son parcours en composant pour les arts du spectacle et arts visuels, plus récemment, des pièces acousmatiques, après avoir débuté ses études à l'Institut Musique et Recherches (BE), sous la direction d'Annette Vande Gorne.
EN - Musician, music producer, composer, and sound creator, Dudu Prudente hails from Sergipe (Brazil), on the northeast coast of Brazil. He grew up in Aracaju, between the hinterlands and the sea, absorbing the rich geographical and cultural diversity of this region, steeped in music, rhythms, and beautiful landscapes.
A graduate in communication from the Universidade Tiradentes (SE) and in audio from IATEC (RJ), over the past two decades, he has collaborated with various artists in his Orí studio in Aracaju.
Dudu is a member of the groups Anavantou, which blends the musical traditions of northeastern Brazil with those of Belgium, the Brazilian experimental group Membrana, and the Belgian instrumental group Munsch.
Currently residing in Belgium, Dudu continues his journey by composing for performing and visual arts, and more recently, creating acousmatic pieces, after commencing his studies at the Institut Musique et Recherches (BE), with Annette Vande Gorne.
On-line
.
De Laet Joris - Étude aux inattendus
Étude aux inattendus
Mijn muziek is gebaseerd op de de vele karakteristieken van geluid waaruit ik een selectie heb gemaakt.
Verschillende logische processen voor toonhoogte werden voor dit werk geschreven. Deze hebben een divergerend verloop en ze richten zich allemaal op een bepaald eindpunt.
Deze verzameling processen wordt gedomineerd door één globaal proces waarin alle gebeurtenissen zich richten op een centraal geluidsveld, dat van de menselijke stem.
Daardoor ontstonden verschillende lagen geluid. Tijdens de multikanaalbewerking werden deze dan met elkaar in overeenstemming gebracht.
Het resultaat toont het muzikale avontuur van onderling overeenstemmende geluidsuitwisselingen, van spectrale geluidsgegevens die op een meer elektroakoestische manier werden bewerkt. Deze bewerkingen werden toegepast op de individuele geluiden om de nodige dynamiek in de kleurencompositie te creëren.
Daarna werd de hele compositie behandeld als een omhulsel voor zijn muzikale inhoud.
Bio
Joris de Laet (°1947). Van 1972 tot 1975 volgde hij cursussen aan het I.P.E.M. (Instituut voor Psychoakoestiek en Elektronische Muziek) te Gent bij Karel Goeyvaerts, Lucien Goethals en dr. Herman Sabbe. In 1974 gaf hij zijn eerste concerten met live elektronische muziek. Hij begint met een reeks van 5 opeenvolgende concerten, 'Partiduur12345'.
In 1973 oprichter van S.E.M. (Studio voor Experimentele Muziek) in Antwerpen. Daarna vormde hij het SEMensemble, een groep musici-componisten gespecialiseerd in de uitvoering van experimentele muziek en live-elektronica. Van 1975-'90 gaf hij concerten met dit ensemble in heel Europa en daarbuiten.
Vanaf 1978 werkzaan aan het Koninklijk Conservatorium Antwerpen in de opname- en creatiestudio en als docent elektronische muziekcompositie tot zijn pensioen in 2012.
Geïnspireerd door de diepe controle over elektronisch geluid, definieerde hij zijn werk sinds 1979 als 'Parametric Music', een muziek waarvan de compositie is gebaseerd op stromen van transformaties van een of meer parameters.
Sinds 1992 is hij producer bij het gratis radiostation 'Radio Centraal' in Antwerpen, waar hij maandelijks een programma produceert dat geheel aan elektroakoestische muziek is gewijd.
In 1997 ontving hij voor al zijn werk de Sabamprijs.
In 1994 was hij mede-oprichter en vice-voorzitter van de Belgische Federatie van elektroakoestische Muziek (BeFEM/FeBeME), en werd hij vice-voorzitter toen het werd opgenomen in een officiële vereniging.
On-Line
.
Daeleman Wim - Tempesta nella cisterna
Tempestanella cisterna
NL - Tempesta nella cisterna is ontstaan gedurende de dagen van hevige regenval in juli van dit jaar. Ik werd getriggerd door het geluid van het water dat zeer overvloedig in ons regenputje stroomde. Samen met de klank van het toevallig stoten van een melkfles tegen de deur van onze ijskast was dit voornamelijk het klankmateriaal waarmee ik Tempesta opbouwde. Alhoewel de aard van die klankbronnen op zichzelf niet interessant is wil ik er hiermee wel op duiden dat het gebruik van klanken uit onze eigen directe leefwereld kunnen volstaan. Daarnaast probeerde ik ook enkele technieken uit die ik bij Annette Vande Gorne had geleerd, zoals het creëren van een “Objet Composite” alsook het toepassen van “Fondu-Enchainé”.
FR - Tempesta nella cisterna a été créée pendant les jours de fortes pluies du mois de juillet de cette année. J'ai été stimulée par le son de l'eau qui s'écoulait en abondance dans notre citerne. Avec la bruit d'une bouteille de lait que je cognais accidentellement contre la porte de notre réfrigérateur, c'est principalement le matériau sonore que j'ai utilisé pour construire Tempesta. Bien que mentionner la nature de ces sources sonores ne soit pas intéressant en soi, je tiens à souligner que utiliser les sons de notre propre environnement immédiat peuvent suffire. En outre, j'ai également essayé certaines techniques apprises auprès d'Annette Vande Gorne, telles que la création d'un "Objet Composite" et l'application du "Fondu-Enchainé".
EN - Tempesta nella cisterna was created during the days of heavy rainfall in July this year. I was triggered by the sound of water flowing very copiously into our cistern. Together with the sound of the accidental banging of a milk bottle against the door of our refrigerator, this was mainly the sound material I used to build Tempesta. Although mentioning the nature of those sound sources is not interesting in itself, I want to point out that using the sounds from our own immediate environment can suffice. In addition, I also tried out some techniques I learned from Annette Vande Gorne, such as creating an "Objet Composite" as well as applying "Fondu-Enchainé".
Bio
NL - Wim Daeleman (°Turnhout, 1947), grotendeels autodidact, werkte begin 1980 in de Studio voor Experimentele Muziek (SEM) van Joris De Laet (Antwerpen, België). Daarna was hij bijna 40 jaar niet actief als componist. Enkele jaren geleden begon hij bij toeval weer te componeren. Het resultaat was eerst enkele stukken voor cello (solo en ensemble). Hij ontdekte ook (opnieuw) de wondere wereld van elektronische geluiden. Sinds 2020 studeert hij akoesmatische muziek bij Musiques et Recherches in Ohain (Annette Vande Gorne). In zijn stukken werkt hij voornamelijk intuïtief, waarbij hij nu en dan toepast wat hij tijdens deze opleiding leert.
FR - Wim Daeleman (°Turnhout, 1947), largement autodidacte, a travaillé au Studio de musique expérimentale (SEM) de Joris De Laet (Anvers, Belgique) au début des années 1980. Après cela, il n'a pas été actif en tant que compositeur pendant prèsque 40 ans. Il y a quelques années, il a recommencé à composer par hasard. The result was first some pieces for cello (solo and ensemble).Il a également (re)découvert le monde merveilleux des sons électroniques. Depuis 2020, il étudie la musique acousmatique à Musiques et Recherches à Ohain (Annette Vande Gorne). Dans ses pièces, il travaille principalement de manière intuitive, appliquant occasionnellement ce qu'il apprend au cours de cette formation.
EN - Wim Daeleman (°Turnhout, 1947), largely self-taught, worked at the Studio for Experimental Music (SEM) of Joris De Laet (Antwerp, Belgium) in early 1980. After that, he was not active as a composer for almost 40 years. A few years ago, by chance, he started composing again. Le résultat fut d'abord quelques pièces pour violoncelle (solo et ensemble).He also (re)discovered the wonderful world of electronic sounds. Since 2020, he has been studying acousmatic music at Musiques et Recherches in Ohain (Annette Vande Gorne). In his pieces, he works mainly intuitively, occasionally applying what he learns during this training.
.
Delafontaine Sophie - Trouée
Trouée
NL -
Wachten
Wachten
Kijken naar de lucht
Wachten
De wolken
Wachten
Weer wachten
Een opening
Ik begon dit stuk te componeren in februari 2020 tijdens een residentie in de multifonische studio Musiques & Recherches. Helaas heeft de eerste lock-down veroorzaakt door Covid me in mijn werk gestopt. Ik kon pas in augustus verder werken. De tweede golf van de epidemie onderbrak me opnieuw en in maart 2021 was ik eindelijk klaar met mijn muziek. Het is de eerste keer dat ik op zo'n gefragmenteerde manier heb gewerkt. Dit heeft bepaalde voordelen: het is gemakkelijker om een stap terug te doen van wat je aan het doen bent naarmate de tijd verstrijkt, maar het blijft moeilijk om terug te komen in de creatie van iets dat meer dan 6 maanden opzij is gelegd. Ik moet deze nogal bijzondere context van deze creatie uitleggen, omdat die onvermijdelijk mijn werk heeft beïnvloed en past bij het onderwerp dat ik in mijn stuk wilde aanpakken: wachten. Wat te doen met wachten? Het vrezen of ervan genieten? Persoonlijk vond ik het moeilijk te verdragen, in welke context dan ook. Het maken van dit stuk in de context van de Covid-pandemie heeft me geholpen om het serener te accepteren. Ik hoop dat je geniet van de dosis verwachting in mijn muziek en ervan geniet.
Gecomponeerd met de hulp van de Fédération Wallonie-Bruxelles. [2021]
FR -
Attendre
Attendre
Regarder le ciel
Attendre
Les nuages
Attendre
Attendre encore
Une trouée
J’ai commencé à composer cette pièce en février 2020 lors d’une résidence dans le studio multiphonique de Musiques & Recherches. Malheureusement, le premier confinement dû au Covid m’a, coupée dans mon élan. J’ai pu continuer à travailler seulement au mois d’août. La seconde vague de l’épidémie m’a à nouveau interrompue et j’ai enfin fini ma musique en mars 2021. C’est la première fois que je travaille de manière si morcelée. Cela offre certains avantages: il est plus facile de prendre du recul sur ce qu’on fait avec le temps qui passe.
Mais il est tout de même ardu de se remettre dans la création de quelque chose laissé de côté pendant plus de 6 mois.
Je me dois de préciser le contexte assez particulier de cette création, car il a forcément influencé mon travail et colle au sujet que je voulais aborder dans ma pièce: l’attente.
Que faire de l’attente? La redouter ou la savourer?
Personnellement, j’ai du mal à la supporter dans quel contexte que ce soit. La création de cette pièce, dans le contexte de la pandémie de Covid, m’a aidé à l’accepter plus sereinement.
J’espère que vous apprécierez la dose d’attente dans ma musique et que vous la savourerez avec délectation.
Composée avec l’aide de la Fédération Wallonie-Bruxelles. [2021]
Bio
NL - Sinds haar vierde houdt Sophie Delafontaine van muziek en ontdekt ze een breed scala aan muziek door te dansen. Al dansend en bewegend ontdekte ze zo de akoesmatische muziek. Op 20-jarige leeftijd, op aanraden van Sylvette Vezin, verliet ze Zwitserland en vestigde ze zich in België, waar ze akoesmatische compositie studeerde aan het Conservatoire royal de Mons / Arts2 - École supérieure des arts (Mons, België) bij Annette Vande Gorne, Philippe Mion en Ingrid Drese. Ze behaalde er haar masterdiploma in 2014.
In haar compositorisch werk houdt Sophie Delafontaine ervan klankmateriaal te recupereren, te recycleren en te hernieuwen. Haar acousmatische compositie is sterk beïnvloed door haar creaties voor dans en theater. Ze laat zich inspireren door de stemmingen, sferen, teksten, verhalen en personages die aanwezig zijn in de verschillende voorstellingen waarvoor ze muziek creëert.
Haar ontmoeting met Annette Vande Gorne leidde ertoe dat ze zich ging specialiseren in de interpretatie van akoesmatische muziek tijdens concerten. Sophie Delafontaine won in 2012 de tweede prijs in de wedstrijd Espace du son. Sinds 2016 doceert ze deze discipline aan Arts2. Haar interesse in het interpreteren heeft haar ertoe aangezet mee te werken aan verschillende projecten: de ontwikkeling van het eerste vaste akoesmonium van Lausanne, het Wolfonium, met het team van Oblò Sonic; de uitvoering van verschillende stukken op de '3 consoles'-versie van het akoesmonium van Alcôme (Parijs, Frankrijk); de oprichting van het componistencollectief Séneçon (Brussel); en de ontwikkeling van Titanen met Pierre-Axel Izerable, een geluidsprojectiesysteem bestaande uit betonnen luidsprekers.
FR - Depuis ses quatre ans, Sophie Delafontaine aime et découvre de nombreuses musiques par sa pratique de la danse. C’est en dansant et bougeant qu’elle déniche la musique acousmatique. À 20 ans, sur un conseil de Sylvette Vezin, elle quitte la Suisse et s’installe en Belgique où elle étudie la composition acousmatique au Conservatoire royal de Mons / Arts2 — École supérieure des arts (Mons, Belgique) avec Annette Vande Gorne, Philippe Mion et Ingrid Drese. Elle y obtient sa maîtrise en 2014.
Dans sa pratique de la composition, Sophie Delafontaine aime récupérer, recycler, renouveler son matériel sonore. Sa composition acousmatique est fortement influencée par ses créations pour la danse ou le théâtre. Elle s’inspire des ambiances, atmosphères, textes, histoires et personnages présents dans les différents spectacles pour lesquels elle fabrique de la musique.
Sa rencontre avec Annette Vande Gorne l’oriente vers une spécialisation dans l’interprétation de la musique acousmatique en concert. Sophie Delafontaine remporte le second prix au Concours d’interprétation spatialisée Espace du son en 2012. Elle enseigne cette discipline à Arts2 depuis 2016. Son intérêt envers le métier d’interprète l’amène à collaborer à plusieurs projets: l’élaboration du premier acousmonium fixe lausannois, le Wolfonium, avec l’équipe d’Oblò Sonic; l’interprétation de diverses pièces sur la version «3 consoles» de l’acousmonium Alcôme (Paris, France); la fondation du collectif de compositeurs Séneçon (Bruxelles); et l’élaboration des Titans avec Pierre-Axel Izerable, un système de projection sonore composé d’enceintes en béton.
On-Line
electropresence.com (biografie en links)
.
Coppe Dimitri - Transparence-Déhiscence
Transparence-Déhiscence (8'50” - 2000 - 8 tracks)
NL - Terwijl transparantie een toestand is die verbonden is met de eigenschappen van een lichaam, met de kwaliteit ervan om een hele realiteit te laten verschijnen en zich uit te drukken zonder deze te veranderen, komt dehiscentie overeen met een dynamisch fenomeen waarin gesloten organen zich uit zichzelf openen om plaats te maken voor hun inhoud.
Gecondenseerde elementen van een lopend onderzoeksproject, geëxtraheerd uit een groter project, inclusief perifere grenzen en vibrerende eigenschappen van een geopenbaarde beweging, van een eenheid die zijn principe doordringt, van een bevruchte adem.
Stuk gemaakt in de Arsis-studio
FR - Alors que la transparence est un état lié aux propriétés d'un corps, à sa qualité de laisser paraître une réalité tout entière et l'exprimer sans l'altérer, la déhiscence correspond à un phénomène dynamique où des organes clos s'ouvrent d'eux-mêmes pour livrer passage à leur contenu.
Eléments condensés d'une recherche en cours, extrait d'un projet plus vaste, incluant limites périphériques et propriétés vibratiles d'un mouvement révélé, d'une unité pénétrant son principe, d'un souffle fécondé.
Pièce réalisée au studio Arsis-thesis
EN - While transparency is a state linked to the properties of a body, to its quality of letting an entire reality appear and expressing it without altering it, dehiscence corresponds to a dynamic phenomenon where closed organs open from themselves to deliver passage to their content.Condensed elements of ongoing research, extracted from a larger project, including peripheral limits and vibratory properties of a revealed movement, of a unit penetrating its principle, of a fertilized breath. Piece composed at the Arsis-thesis studio
Bio
NL - Dimitri Coppe is een solomuzikant, voornamelijk in acousmatische compositie maar ook in elektronische improvisatie, geluidsinstallaties en samenwerkingen voor radio, film en dans. Dimitri Coppe maakt geen platen maar alleen publieke en collectieve luisterbeurten, meestal met zijn eigen concertinstallatie die bestaat uit zelfgemaakte piëzoslingers, hijack totem, trouweloze hoorns, grillige luidsprekers. Van het kleinste instrument -een totem en 4 blazers gericht op het publiek- tot de grootste -120 speakers voor een improvisatie die de hele nacht duurt-. Momenteel is mxsx een improvisatieduo dat elektronica, saxofoons en spatialisatie combineert.
Naast projecten in België werkt hij samen aan ongewone formats. Olbers' paradox is een nachtconcert van 22u tot 7u (Grüttli-theater, Genève). 6x + 1 is een gemengd improvisatiecollectief: instrumenten + elektronica + spatialisatie (Schaffhauser Jazz festival). Siren solo is een openluchtvoorstelling met sirenegeluiden (Biënnale Independent Art Genève). Microvox is een "instrumentale solo" met een zeer gereduceerd frontaal apparaat: totem + 4 paviljoenen (Makaronic festival, Genève). Meer recent is Et tout se tut- Und alles schwieg, een compositie gebaseerd op verzen van R.M. Rilke, bedoeld voor de radio en vervolgens aangepast voor een live performance (ABC, La Chaux-de-Fonds).
EN - Dimitri Coppe is a solo musician, mainly in acousmatic composition but also in electronic improvisation, sound installations and collaborations for radio, cinema and dance. Dimitri Coppe doesn't make records but only public and collective listenings, most of the time with his own concert system made of homemade piezos garlands, hijack totem, faithless horns, fickle speakers. From the smallest instrument -a totem and 4 horns facing the audience- to the largest -120 speakers for an all-night improvisation-. Currently, mxsx is an improvisation duo combining electronics, saxophones, spatialization.
Alongside projects in Belgium, he collaborates on unusual formats. Olbers' paradox is a night concert from 10 p.m. to 7 a.m. (Grüttli theater, Geneva). 6x + 1 is a mixed improvisation collective: instruments + electronics + spatialization (Schaffhauser Jazz festival). Siren solo is an outdoor performance with siren sounds (Geneva Biennale of Independent Arts). Microvox is an “instrumental solo” with a very reduced frontal device: totem + 4 pavilions (Makaronic festival, Geneva). More recently, Et tout se tut- Und alles schwieg is a composition based on verses by R. M. Rilke intended for radio and then adapted for a live performance (ABC, La Chaux-de-Fonds).
On-Line
.
Vande Gorne Annette - VOX ALIA III: Vox Intima
VOX ALIA III: Vox Intima
NL - Aan Alice Eskenasi, mijn petekind - Op een gedicht van Werner Lambersy (Uitgegeven in 2015 door Castor Astral en vertaald in het Frans)
"Misschien is schrijven (componeren) een manier om stil te zijn?"
Dit korte gedicht vat samen hoe ik de bijzondere activiteit van het creëren van muziek ervaar. Dus maak ik het me eigen door ervoor te kiezen het met mijn eigen stem voor te lezen en de betekenis van de woorden te accentueren met een paar madrigaalse klank- of spatiale bewerkingen. Het langzame, constante tempo is gebaseerd op bepaalde spectrale momenten in Tristan Murails Thirteen Colours of the Setting Sun.
VOX ALIA III: vox intima werd gerealiseerd in 2022-23 in de studio Musiques & Recherches (Ohain, België) en ging in première op 1 februari 2023 in het kader van de reeks Musiques & Recherches acousmatische concerten in de Espace Senghor, Etterbeek (Brussel).
Vox Intima sluit de VOX ALIA cyclus af (50'): I affeti, II Cathédrales. III Vox Intima.
FR - À Alice Eskenasi, ma filleule - Sur un poème de Werner Lambersy (Paru en 2015 aux éditions du Castor Astral et traduit en français.)
“Peut-être écrire (composer) est-il une façon de se taire ?”
Ce bref poème résume ce que je ressens de cette activité particulière qu’est la création musicale. Je me l’approprie donc en choisissant d’en faire une lecture chorale par ma propre voix et d’accentuer le sens des mots par quelques madrigalismes de traitements sonores ou spatiaux. Le tempo lent, stable, s’appuie sur certains moments spectraux des treize couleurs du soleil couchant de Tristan Murail.
VOX ALIA III : vox intima a été réalisée en 2022-23 au studio de Musiques & Recherches (Ohain, Belgique) et a été créée le 1er février 2023 dans la série de concerts acousmatiques de Musiques & Recherches à l’Espace Senghor, Etterbeek (Bruxelles).
Vox Intima clôture le cycle VOX ALIA (50’): I affeti, II Cathédrales. III Vox Intima
EN - VOX ALIAIII : vox intima - To Alice Eskenasi, my god daughter
On a poem by Werner Lambersy. (Published in 2015 by Castor Astral and translated into French)
Perhaps writing (composing) is
a way of being silent?
To remain the ultimate
mystery of the word (of the sound)
unfaithful.
Perhaps writing (composing) is
a solitary act
that would be a pact
authentic and sincere
with what we ignore
of oneself
and the breaths we exhale
to expand a little
the life which retracts.
This short poem sums up how I feel about this particular activity of creating music. I therefore appropriate it by choosing to make a choral reading of it by my own voice and to accentuate the meaning of the words by some madrigalizations of sound or spatial treatments. The slow, stable tempo is based on certain spectral moments of the thirteen sunset colors of Tristan Murail.
VOX ALIA III : vox intima, was realized in 2022-23 at the studio of Musiques & Recherches (Ohain, Belgium) and was premiered on February 1, 2023 in the series of acousmatic concerts of Musiques & Recherches at the Espace Senghor, Etterbeek (Brussels).
Bio
NL - A.Vande Gorne (Charleroi, 1946)
Annette Vande Gorne concerteert niet alleen over heel Europa, maar ook in Canada, Zuid-Amerika en China. Naast haar eigen werk voert ze ook ander akoesmatisch repertoire uit en ze doet dit meestal op haar acousmonium "influx" van 80 luidsprekers.
In haar muziek concentreert ze zich op de klank en ergieën van de natuur; ze gebruikt natuurlijke geluiden en transformeert deze in de studio tot een abstracte, expressieve en niet-anekdotische muzikale taal. Een ander onderwerp dat ze vaak verkent is de relatie tussen tekst en muziek. Ze heeft een akoesmatische opera "Yawar fiesta" geproduceerd die het genre volledig vernieuwt en tegelijkertijd een link legt met het verleden.
Ze studeerde klassieke muziek aan het Koninklijk Conservatorium van Bergen en Brussel, en bij Jean Absil (contrapunt,fuga, instrumentale compositie). Ze studeerde ook elektroakoestische compositie bij Guy Reibel en Pierre Schaeffer aan het Conservatoire National de Musique de Paris en muziekwetenschap aan de Université libre de Bruxelles.
Ze is artistiek directeur van het internationale acousmatische festival "L'espace du Son" te Brussel en van de internationale wedstrijden "Espace du son" voor spatialisatie en "Métamorphoses" voor akoesmatische compositie.
Vande Gorne heeft Musiques & Recherches opgericht en ook de studio Métamorphose d'Orphée (1982) die ze beide nog steeds beheert. Zij is de uitgever van het elektronische tijdschrift "Lien" en van het Electrodoc-documentatiecentrum op www.musiques-recherches.be.Ze gaf les in elektroakoestische compositie aan de Koninklijke Conservatoria van Luik, Brussel en in Bergen waar ze in 2002 een volledige elektroakoestische afdeling oprichtte. Professor emeritus sinds 2016.
FR - A.Vande Gorne (Charleroi, 1946)
Annette Vande Gorne peut être entendue en concert dans de nombreux pays européens, ainsi qu'au Canada, en Amérique du Sud et en Chine, présentant des œuvres acousmatiques de répertoire en plus de ses propres œuvres, généralement sur son acousmonium "influx" de 80 haut-parleurs.
Sa musique se concentre sur les énergies sonores de la nature ; elle utilise les sons naturels et les transforme en studio pour créer un langage musical abstrait, expressif et non anecdotique. La relation entre le texte et la musique est un autre sujet qu'elle explore souvent.
Elle a produit un opéra acousmatique "Yawar fiesta" qui renouvelle complètement le genre tout en créant un lien avec le passé.
Elle a étudié la musique classique au Conservatoire Royal de Mons et de Bruxelles, et avec Jean Absil (contrepoint, fugue, composition instrumentale). Elle a également étudié la composition électroacoustique avec Guy Reibel et Pierre Schaeffer au Conservatoire National de Musique de Paris et la musicologie à l'université libre de Bruxelles.
Elle est directrice artistique du festival international acousmatique bruxellois "L'espace du Son" et des concours internationaux "Espace du son" (spatialisation) et "Métamorphoses" (composition acousmatique).
Vande Gorne a fondé et dirige toujours l'association Musiques & Recherches et le studio Métamorphose d'Orphée (fondé en 1982). Elle est l'éditrice de la revue "Lien" électronique et du centre de documentation Electrodoc sur www.musiques-recherches.be
Elle a enseigné la composition électroacoustique : Conservatoires Royaux de Liège, Bruxelles et Mons où elle a créé un département électroacoustique complet en 2002. Professeur émérite depuis 2016.
EN - Annette Vande Gorne (Charleroi, 1946)
Annette Vande Gorne can be heard in concert (more than 500) in many European countries, as well as Canada, China and South America, presenting repertory works of acousmatics in addition to her own works, usually on a 80-loudspeaker acousmonium.
Her music focuses on the sounding energies of nature; she uses natural sounds and transforms them in studio to create an abstract, expressive, and non-anecdotal musical language. The relationship between text and music is another subject she often explores.
She produced an acousmatic opera "yawar fiesta" which completely renews the genre while creating a link with the past.
She studied classical music at the Royal Conservatory of Mons and Brussels, and with Jean Absil (fuga, instrumental composition). She also studied electroacoustic composition with Reibel and Schaeffer at the Paris National Conservatory.
She is the artistic director of Brussels’ international acousmatic festival L’espace du son, and of the international competitions Espace du son (spatialization) and Métamorphoses (acousmatic composition).
Vande Gorne founded and still leads the non-profit association Musiques & Recherches, and the studio Métamorphose d’Orphée (founded in 1982). She is the publisher of the electronic Lien and of the Electrodoc documentation center www.musiques-recherches.be
She taught electroacoustic composition: Royal Conservatories of Liege, Brussels and Mons where she created a complete electroacoustic department in 2002. Professor emeritus since 2016.
On-line
.
Calvo Charo - Le sphinx et Pol (2023)
Le Sphinx et Pol
NL - De geluidsrespons van een modulaire synthesizer op kleine variaties in elektrische spanning is voor mij zo mysterieus als die van een ballon die zingt terwijl hij gedwongen wordt de lucht uit te blazen door een dichtgeknepen opening. Ik heb met deze twee geluidsapparaten gewerkt om te proberen het raadsel te ontrafelen, maar ondertussen heb ik dit stuk geproduceerd.
Het put ook uit elementen van Pol Bury's digitale monotype op doek, naar Ingres' schilderij 'Oedipe explique l'énigme du sphinx', en uit het werk van de Turkse choreograaf Bahar Temiz met wie ik speciaal heb samengewerkt voor de dansvoorstelling Punkt (2023), die spreekt over verschillende noties van perspectief en diepte, en die me ook doet denken aan bepaalde kwesties in Bury's werk.EN - The sonic response of a modular synthesiser to small variations in voltage is as mysterious to me as a balloon singing when forced to exhale through a squeezed opening. I have been working with these two sound devices in an attempt to unravel the mystery without success, but in the meantime I have produced this piece. It also draws on elements of Pol Bury's digital monotype on canvas after Ingres' painting 'Oedipe explique l'énigme du sphinx' and the work of the Turkish choreographer Bahar Temiz, with whom I collaborated especially for the dance performance Punkt (2023), which speaks to different notions of perspective and depth and also reminds me of certain themes in Bury's work.
NL - Charo Calvo is een Spaanse elektroakoestische componist, geluidsontwerper en docente, woonachtig in België. Nadat ze als danseres optrad bij het invloedrijke Belgische dansgezelschap Ultima Vez, begon ze in 1992 haar studie elektroakoestische compositie bij Annette Vande Gorne aan het Conservatorium van Brussel (nu ARTS2 Mons). Ze studeerde af in 1999.
Vanaf 1992 wordt haar werk als componiste uitgevoerd via verschillende media, veelvuldig verspreid op internationale podia en festivals, dansvoorstellingen, theater, film en radio. Ze heeft verschillende belangrijke prijzen ontvangen zoals Palma Ars Acustica 2014 EBU, Phonurgia Nova Awards Parijs 2017, Prix Marulic 2018 Kroatië, Grand Prix Nova Boekarest 2019 , Grand Prix Nova Binaural Category 2023, en stond op de shortlist voor Prix Europa Berlijn, Hearsay Prize Ierland.
Charo Calvo was te gast in het prestigieuze residentiële programma voor internationale kunstenaars in Berlin DAAD Berliner Künstlerprogramm tijdens het jaar 2017/2018.
Ze is geselecteerd als vertegenwoordiger van België op ISCM 2020 World New Music Days in Auckland, Nieuw-Zeeland met haar multichannel stuk 'The Grass', in opdracht van GRM-INA Maison de la Radio, Parijs.
Lid van de Belgische Federatie voor Electroakoestische Muziek en van Forum de la Creation Musicale Belgique,
Onderzoeker aan Conservatorium Antwerpen KCA en AP Academie Schone Kunsten Antwerpen in samenwerking met IPEM ASILlab aan Universiteit Gent.
Docent 'Compositie voor de Media' aan ARTS2', Bergen, Elektroakoestische sectie voor masterstudenten.
Docent 'Audiovisuele Compositie bij Film en Animatie KASK Hogeschool voor de Kunsten Gent'.
EN - Charo Calvo is a Spanish electroacoustic composer, sound designer and teacher, living in Belgium. After having performed as a dancer with the influential Belgian dance company Ultima Vez, she started her studies on Electroacoustic Composition in 1992 with Annette Vande Gorne at Brussels Conservatory (now ARTS2 Mons). Graduated in 1999.
From 1992 her work as composer is being developed through different media, widely diffused on international venues and festivals, dance performances, theatre, film and radio. She has received several important awards such as Palma Ars Acustica 2014 EBU, Phonurgia Nova Awards Paris 2017, Prix Marulic 2018 Croatia, Grand Prix Nova Bucharest 2019 , Grand Prix Nova Binaural Category 2023, and was shortlisted for Prix Europa Berlin, Hearsay Prize Ireland.
Charo Calvo has been a guest of the prestigious residential program for international artists in Berlin DAAD Berliner Künstlerprogramm during the year 2017/2018.
She is selected representant of Belgium at ISCM 2020 World New Music Days in Auckland, New Zealand with her multichannel piece ‘The Grass’, commissioned by GRM-INA Maison de la Radio, Paris
Member of Belgian Federation of Electroacoustic Music and of Forum de la Creation Musicale Belgique,
Researcher at Conservatory Antwerp KCA and AP Academie Fine Arts Antwerp in collaboration with IPEM ASILlab at University of Ghent.
Lecturer in ‘Composition for the Media’ at ARTS2’, Bergen, Electroacoustic Section for Masters Students
Lecturer in ‘Audiovisual Composition at Film and Animation KASK School of Arts Ghent’
LAST CONCERTS
GRM-INA Paris, KONTAKTE FESTIVAL 17 Berlin, Akademie der Künste, Berlin; MIKROMUSIK, Daad Galery, AUSLAND Berlin, VILLA ELIZABETH Berlin in duo with Natasha Barrett, ELECTROBELGE, Brussels, HEROINES OF SOUND 2019, Berlin, EPICENTROOM, St Petersburg, CITYSONIC CINEMA, Belgium, BELGIAN MUSIC DAYS New Zealand, LE SPACE DU SON, Brussels, PLEAYADES, Madrid, CCCB Barcelona ZEPELLIN FESTIVAL, REFLUX Festival Berlin, MadeiraDig by Digital in Berlin, True Nordic Festival Harstad, (see Portfolio)
ON TOUR/ DANCE PERFORMANCES / FILM
Music composition for ‘Hands do not touch your precious me’ by Wim Vandekeybus/Ultima Vez.
‘La ilusion de la Abundancia’ Film by Erika Gonzalez and Matthieu Lietaert
‘In love’ by Bahar Temiz
RADIO WORKS/SOUND ART
www.radiola.be - Phonobiographie#1 - Wild Track Ulan Bator - Anna - QUALIA – Come Come - October 1917 - UM - HEAT WAVES – Wild Tracks for you – Nada within air: poet’s impressions on a field recording .
On-Line
.
Verlaak Maya - Dust
Dust (2011 - live electronics, video)
NL - In 2011 werd ik gevraagd een werk te schrijven voor een speciaal "9/11" herdenkingsconcert, precies 10 jaar na de feiten, op 11 September 2011. Het concept van het concert waren alle politieke keuzes en humanitaire gruwelijkheden die zich na 9/11 afspeelden. Mijn componeerproces begon met experimenten in de Stockhausen studio, de elektronische studio van het Koninklijk Conservatorium van Den Haag. Ik besloot om alle popmuziek die men had gebruikt om terroristen in Guantanamo Bay te martelen, op analoge tape op te nemen. In een tweede fase verkruimelde ik de klank-laag van elk liedje en het "stoffelijk overschot" werd apart opgeborgen in een klein doosje. Het stof van elke liedje werd in een derde fase met lijm opnieuw op een lege aanloop-tape geplakt. Nu is de (martel)muziek weg en blijft er alleen nog ruis over. Dit werk werd nooit gepresenteerd op de manier dat ik had gewild, daarom zie ik dit concert ook een klein beetje als een (heel late) première.
EN - In 2011, I was asked to write a work for a special "9/11" memorial concert, exactly 10 years after the events, on 11 September 2011. The concept of the concert was all the political choices and humanitarian atrocities that took place after 9/11. My composing process started with experiments in the Stockhausen studio, the electronic studio of the Royal Conservatory in The Hague. I decided to record on analogue tape all the pop music that had been used to torture terrorists at Guantanamo Bay. In a second stage, I crumbled the sound layer of each song and the "corpse" was stored separately in a small box. In a third stage, the dust from each song was re-sticked with glue onto a blank lead-up tape. Now the (torture) music is gone and only noise remains. This work was never presented in the way I would have liked, which is why I see this concert a little bit as a (very late) premiere.
Bio
NL - Maya Verlaak is een Belgische componiste (Gent, 1990). Contextanalyse, sterke concepten en experimentele methoden voor betere communicatie met muzikanten staan centraal in haar werk. Ze is flexibel in alle mediums, ze heeft ervaring in (experimenteel) theater, ensemble, orkest, koor en elektroakoestische muziek. Ze heeft ook kennis van instrumentenbouw en het programmeren van interactieve computer programma's. Haar muziek wordt wereldwijd uitgevoerd en is uitgebracht op NMC Recordings, BRC en Another Timbre (UK). Maya studeerde compositie aan het Koninklijk Conservatorium van Den Haag. In 2019 promoveerde ze aan de Birmingham City University, met de Midlands3Cities Doctoral Training Partnership beurs. Ze is oprichter van de concertreeks Post-Paradise en het Acid Police Noise Ensemble, en lid van iii in Den Haag. Sinds 2018 is zij hoofdvakdocent compositie aan het Conservatorium van Amsterdam.
EN - Maya Verlaak is a Belgian composer (Ghent, 1990). Context analysis, strong concepts and experimental methods for better communication with musicians play a central role in her work. Flexible in all mediums, she has experience in (experimental) theatre, ensemble, orchestra, choir and electroacoustic music. She also has knowledge of instrument building and the programming of interactive computer programs. Her music is performed worldwide and has been released on NMC Recordings, BRC and Another Timbre (UK). Maya studied composition at the Royal Conservatoire in The Hague. In 2019, she completed her PhD at Birmingham City University, with the Midlands3Cities Doctoral Training Partnership scholarship. She is founder of the concert series Post-Paradise and the Acid Police Noise Ensemble, and a member of iii in The Hague. Since 2018, she has been principal study teacher in composition at the Conservatorium van Amsterdam.
On-Line
.
White Helen - Carnival
Carnival
NL - Ik wilde iets schrijven op het raakvlak tussen banale, kleurloze taal en menselijke echtheid, iets dat zich afspeelt in zo'n Engelse buitenwijk waar elk huisje hetzelfde is en dezelfde gesprekken over niets gaan door in honderden iteraties van dezelfde woonkamer (bij mijn pa gaat het écht altijd over wel of niet kunnen parkeren en waar). De dochter van de buren heb ik nooit gekend, en haar verhaal hoorde ik alleen als fait divers, tussen al die banale gesprekken die de lege ruimte moeten vullen terwijl je die ene gouden plek voor je auto zoekt.
De tekst van Carnival is gestructureerd rond een aantal zinnen in mijn eigen stem, gevolgd door variaties op die zinnen, uitgesproken door computerstemmen. Het aantal variaties volgt de Fibonacci-reeks. Weet ik veel waarom dat zo nodig moest. Misschien als je schrijft over het gebruik van clichés om pijn te ontlopen, moet je ook een cliché gebruiken in de structuur van je stuk... Ja, dat klinkt goed, laten we doen alsof het allemaal goed doordacht was.EN - I wanted to write in the space where banal, colourless language meets human authenticity, where people speak in clichés to avoid intolerable thoughts. All the voices in Carnival except my own are computer-generated, and I imagine them speaking in row after row of identical living rooms in an English suburb where every house is the same. My Dad can talk for hours about finding a place to park the car. I never knew the neighbour’s daughter; I only heard her story as a brief aside during some empty anecdote about the search for the perfect parking space.
The text of Carnival is structured around several main sentences in my own voice, followed by variations on that sentence and the previous ones, spoken by computer voices. The number of variations between the main sentences is a Fibonacci series. God knows why. Maybe a text about using clichés to hide pain needed a cliché to structure it... yep, that sounds good. Let’s say it was all part of the plan.
BIO
NL - Helen White begon als dichter en werkte met tekst, visuele en tactiele elementen. Gaandeweg voegde ze ook audio-opnames en performances toe. Componist is ze zeker nooit geweest, dichter wellicht wel, momenteel vooral bosactivist en vertaler. Ze maakte installaties en/of performances voor o.a. Theater aan Zee (Oostende), Poëziecentrum (Gent), Boekenbeurs (Antwerpen), Text Festival (Manchester), Stichting Perdu (Amsterdam) en Signal Center för Samtidskonst (Malmö). In 2014 verscheen haar bundel fist house bij Dancing Girl Press (Chicago). Deze bio staat haar ondertussen als een grafsteen of een pinguïnpak – niets tegen de pinguïn die ze ooit was, welteverstaan.
EN - Helen White started out writing poetry, incorporating visual and tactile elements into her work and, over time, adding audio recordings and performances. She has certainly never been a composer, was probably a poet for a while and is currently a translator and woodland conservation activist. She has created installations and/or performances for Theater aan Zee (Ostend), the Poëziecentrum (Ghent), Antwerp Book Fair, the Text Festival (Manchester), Stichting Perdu (Amsterdam) and the Signal Center för Samtidskonst (Malmö). Her collection fist house was published by Dancing Girl Press (Chicago) in 2014. This bio suits her like a gravestone or a penguin suit, but what the hell, maybe she used to look cute in flippers.
.
Philippe Druez - Boredom
Boredom
Boredom 9/10 is een poëtisch en meditatief werkje over de saaiheid van een kantoor. In feite geïnspireerd op de fotoreeks van John Pilson over de Twin Towers in NYC. Maar ook hoe banaliteit een belangrijke plaats inneemt en een deel van het leven is.
Bio
Philippe Druez leeft en werkt in Gent. In zijn vaak experimentele projecten onderzoekt hij de samenleving, communicatie, de psyche en het individu binnen het sociale en ecologische weefsel. Door uitvoerig onderzoek te voeren krijgen de kunstprojecten een wetenschappelijke en historische onderstroom, die de vaak poëtische werken gelaagdheid en diepte geven.
Hij is een van de eerste ontwerpers en ontwikkelaar van nieuwe multimediale installaties. Hij realiseerde innovatieve interactieve documentaires en installaties voor musea en erfgoedsites in Vlaanderen en het buitenland waaronder het MAS, C-Mine, BOZAR, KIK, MIM, STAM, …). De opdrachtwerken evolueerden naar kunstwerken en in 2012 besluit hij zich helemaal toe te leggen op zijn kunstpraktijk.
Druez studeerde Wijsbegeerte aan de Universiteit Gent (UGent), heeft academische bachelors in computerwetenschappen en mixed mediakunst en een master in beeldende kunst aan Luca School of Arts. Momenteel doet hij doctoraatsonderzoek rond 3D-geluidskunst bij IPEM, de afdeling musicologie van de UGent en het KASK, School of Arts en Conservatorium.
Als kunstenaar creëert hij open systemen die de nadruk leggen op het organisme boven het mechanisme en die dynamische processen van interactie tussen elementen gebruiken. De rol van de deelnemer is een onlosmakelijk onderdeel van de esthetische ervaring. Hij tilt objecten en concepten op uit het conventionele om te onthullen, te bevragen en te heroverwegen.
Met het Collectief Wasteland slaat hij een brug tussen kunstpraktijken waarbij media en communicatie worden samengevoegd als vorm en inhoud. De woestenij van geluid is de grondstof voor het Wastelands Collective.
On-Line
.
Veulemans Dirk - Algoritme II
Algoritme II
NL - “Algoritme” was een idee van enkele jaren geleden (2010) om een metastuk te maken dat zelfs bijna letterlijk vertelt hoe ik mijn muziek maak: met algoritmes. Een metastuk was precies wat ik toen vond passen op de eerste FINGERPRINTS-CD van de componistenvereniging ComAV.
De zakelijke emotieloze mannenstem waarmee het stuk begint komt van een technische instructie-CD-ROM. In het begin past die stem goed bij de procedure-achtige stijl van een computertaal. De andere klanken die ik gebruik, in tegenstelling tot deze formaliteit, komen voort uit synthesetechnieken die chaotisch geluid creëren uit de feedback in digitale vertragingslijnen.
In “Algoritme II” werk ik dit idee verder uit waarbij ik met algoritmes probeer de chaos in de synthesizerklank te controleren. Op sommige momenten worden door een algoritme in Max/MSP honderden parameters tegelijk bestuurd. Dat is ook enkel met computeralgoritmes mogelijk is.
Mijn compositie “Algoritme II” is voor mij tijdens het componeren een metafoor geworden van het zoeken naar voorspelbaarheid en zekerheid in een chaotische wereld die oneindig veel meer parameters heeft dan we kunnen controleren. Wennen aan een onvermijdelijke dosis chaos is volgens mij een overlevingseigenschap.
Creatie: Amiens (F), Festival JIMEC 30 nov 2017.
FR - "Algorithme" était une idée d'il y a quelques années (2010) de faire une pièce méta qui raconte presque littéralement comment je fais ma musique : avec des algorithmes. Une pièce méta était exactement ce qui me semblait convenir à l'époque pour le premier CD FINGERPRINTS de l'association de compositeurs ComAV.
La voix d'homme sans émotion, à l'allure professionnelle, avec laquelle commence cette pièce provient d'un CD-ROM d'instructions techniques. À première vue, cette voix s'accorde bien avec le style procédural d'un langage de programmation. Les autres sons que j'utilise, en contraste avec cette formalité, proviennent de techniques de synthèse qui créent des sons chaotiques à partir de la rétroaction des lignes de retard numériques.
Dans "Algorithm II", j'approfondis cette idée en essayant d'utiliser des algorithmes pour contrôler le chaos dans le son du synthétiseur. Parfois, un algorithme dans Max/MSP contrôle des centaines de paramètres simultanément. Cela n'est possible qu'avec des algorithmes informatiques.
Ma composition "Algorithm II" est devenue pour moi une métaphore de la recherche de prévisibilité et de certitude dans un monde chaotique qui comporte infiniment plus de paramètres que nous ne pouvons en contrôler. S'habituer à une dose inévitable de chaos est, je crois, un trait de survie.
Création : Amiens (F), Festival JIMEC 30 Nov 2017.
Bio
NL - Dirk Veulemans (Oostende 1956) woont en werkt te Kalmthout, België. Hij volgde in 1987-88 het jaarseminarie Elektronische Muziekcompositie aan het Conservatorium te Antwerpen bij Joris de Laet en werkte sindsdien samen met diverse ensembles en artistieke gezelschappen, en voor manifestaties in binnen- en buitenland. Zijn brede muzikale interesse gaat van ethnische tot de meest actuele muziek.
Zijn eigen werk bestaat overwegend uit elektroakoestische composities waarbij gestreefd wordt naar een eigen kleurrijk en divers klankenpalet. De computer en het programmeren van algoritmes zijn daarbij steeds een belangrijk instrument en taal geweest. Ook de ruimtelijkheid en de beweeglijkheid van de klank, staan voor hem centraal zowel tijdens het compositieproces als tijdens de uitvoering.
De laatste jaren onderzoekt hij ook de integratie van akoestische muziek in deze elektroakoestische composities. Hij doet dit met zelfgebouwde computergestuurde instrumenten. Zoals zijn zelfgebouwde midigestuurde pijporgels en zijn luidsprekerfluitjes.
Veel meer over zijn werk en zijn onderzoek vind je op zijn website, of in zijn boek "Van Tendequaar Tot Nachtegaal" dat in 2022 uitgegeven werd in eigen beheer.
FR - Dirk Veulemans (Ostende 1956) vit et travaille à Kalmthout, en Belgique. Il a suivi le séminaire sur la composition de musique électronique au Conservatoire d'Anvers avec Joris de Laet en 1987-88, et a depuis travaillé avec divers ensembles et compagnies artistiques, ainsi que pour des événements en Belgique et à l'étranger. Ses intérêts musicaux vont de la musique ethnique à la musique contemporaine.
Son propre travail consiste principalement en des compositions électroacoustiques visant à créer sa propre palette de sons colorés et diversifiés. L'ordinateur et les algorithmes de programmation ont toujours été un outil et un langage importants dans ce processus. La spatialité et l'agilité du son sont également au centre de ses préoccupations, tant pendant le processus de composition que pendant la performance.
Ces dernières années, il a également exploré l'intégration de la musique acoustique dans ces compositions électroacoustiques. Pour ce faire, il utilise des instruments contrôlés par ordinateur qu'il a lui-même construits. Il s'agit par exemple de ses orgues à tuyaux contrôlés par midi et de ses sifflets à haut-parleur.
Pour en savoir plus sur son travail et ses recherches, consultez son site web ou son livre "Van Tendequaar Tot Nachtegaal" (en néerlandais), publié à compte d'auteur en 2022.
On-line
.
Todoroff Todor - Kinetic Reflections
Kinetic Reflections (2023)
NL - Gecomponeerd voor een project ter ere van de 100ste geboortedag van de Belgische schilder en beeldhouwer Pol Bury. Zijn kinetische sculpturen zijn fascinerend. Bijna onzichtbaar aangedreven door motoren met draden of, als bij toverslag, met magneten, komen ze tot leven en nodigen ze de toeschouwer uit om ze te verkennen. Hun langzame bewegingen nemen ons mee naar een opgeschorte, bijna meditatieve tijdruimte. Nauwkeurige observatie verandert geleidelijk de perceptie van beweging en snelheid. Er ontstaan hypnotiserende interne ritmes; denkbeeldige landschappen ontstaan, evolueren, kantelen en schudden. Reflecties op de gepolijste metalen oppervlakken vermenigvuldigen de gezichtspunten als droomachtige echo's. Is het een illusie van de werkelijkheid of de werkelijkheid van dromen?
Deze beelden en ritmes komen terug in "Kinetic reflections": hypnotiserende herhalingen, zwaartekracht en lichtheid, rollen en vliegen, mechanica en mysterie, thema's en variaties, transformaties, overgangen en breuken dagen de verbeelding van de toeschouwer/luisteraar uit.
Gecomponeerd in 2023 in de ARTeM studio, waarbij octofonische opnames van experimentele improvisatiesessies voor cello, stem en interactieve digitale transformaties met Sigrid Vandenbogaerde opnieuw werden bekeken.
EN - Composed for a project celebrating the 100th birth anniversary of Belgian Painter and sculptor Pol Bury. His kinetic sculptures are fascinating. Driven by motors, almost invisibly, using wires or, as if by magic, using magnets, they come to life and invite the viewer to devote time to explore them. Their slow movements take us into a suspended, almost meditative time-space. Close observation gradually alters the perception of movement and speed. Hypnotic internal rhythms arise; imaginary landscapes emerge, evolve, tip and jostle. Reflections on the polished metal surfaces multiply the points of view like so many dream-like echoes. Is it an illusion of reality or the reality of dreams?
These images and rhythms are echoed in "Kinetic reflections": hypnotic repetitions, gravity and lightness, rollings and flyings, mechanics and mystery, themes and variations, transformations, transitions and ruptures challenge the imagination of the spectator/listener.
Composed in 2023 at ARTeM studio, revisiting octophonic recordings of experimental improvisation sessions for cello, voice and interactive digital transformations with Sigrid Vandenbogaerde.
Bio
NL - Todor Todoroff is ingenieur in de telecommunicatie en haalde een eerste prijs en een Hoger Diploma in Elektroakoestische compositie aan het Koninklijk Conservatorium van Brussel en van Bergen. Mede-oprichter en huidig voorzitter van FeBeME-BeFEM.
Was eerst onderzoeker op het gebied van spraakverwerking, dan hoofd van de Computer Music Research aan de Polytechnische faculteit en het Koninklijk Conservatorium in Mons waar hij instrumenten ontwikkelde die worden gebruikt door componisten als Leo Küpper en Robert Normandeau. Hij werkte samen met IRCAM, waar zijn programma’s eveneens gebruikt werden door diverse componisten.
Zijn elektroakoestische muziek richt zich op meerstemmigheid en spatialisatie, en op onderzoek naar nieuwe vormen van geluidsbewerking. Naast pure akoesmatische muziek heeft hij virtuele instrumenten ontwikkeld met gebareninterfaces en op maat gemaakte sensoren. Hij componeert ook muziek voor film, video, dans, theater en geluidsinstallaties.
FR - Todor Todoroff est ingénieur en télécommunications et a obtenu un premier prix et un diplôme supérieur en composition électroacoustique au Conservatoire royal de Bruxelles et de Mons. Cofondateur et actuel président de FeBeME-BeFEM.
Il a été d’abord chercheur en traitement de la parole, puis responsable de la recherche en informatique musicale à la Faculté polytechnique et au Conservatoire royal de Mons, où il a développé des instruments utilisés par des compositeurs tels que Leo Küpper et Robert Normandeau. Il a collaboré avec l'IRCAM, où ses programmes ont également été utilisés par divers compositeurs.
Sa musique électroacoustique se concentre sur le son multicanal et la spatialisation, ainsi que sur la recherche de nouvelles formes de traitement du son. Outre la musique acousmatique pure, il a développé des instruments virtuels avec des interfaces gestuelles et des capteurs sur mesure. Il compose également de la musique pour le cinéma, la vidéo, la danse, le théâtre et les installations sonores.
On-Line
.
Broekman Jesse - Not to touch the earth
Not to touch the earth
NL - “Not to touch the earth” is een werk over objecten die uit elkaar vallen. In het proces van desintegratie verschijnen en verdwijnen vele vergankelijke vormen. Het geluid van deze ingewikkelde efemere structuren wordt gevangen, uitvergroot en onderzocht. Wat verloren is gegaan zal niet worden gezocht.
EN - “Not to touch the earth” is a work about objects that fall apart. In the process of disintegration many transient forms appear and vanish. The sound of these intricate ephemeral structures is captured, magnified and explored. What has been lost will not be sought for.
Bio
NL - Jesse Broekman is componist. Zijn autonome werk concentreert zich op kamermuziek, met of zonder elektronica. Centraal in dit werk staat een aantrekking tot geluiden van een onstabiele en onvoorspelbare aard. In zijn elektronische muziek probeert hij eerder akoestische instrumenten op te wekken met elektronische middelen dan muziek voor luidsprekers te schrijven. Hij is betrokken geweest bij een breed scala aan interdisciplinaire projecten, variërend van muziek voor dans, installaties in samenwerking met beeldend kunstenaars tot het schrijven van kameropera's en het creëren van muziektheater voor een jong publiek. Hij heeft samengewerkt met talloze musici, ensembles en theaters. Zijn werk met Ensemble Oerknal, Ensemble Garage & Ensemble Proton is vooral belangrijk geweest bij het vormgeven van zijn werk.
Tussen 2005 en 2013 studeerde hij filosofie aan de Universiteit van Amsterdam, compositie & muziektechnologie aan de Hogeschool voor de Kunsten Utrecht bij Barbara Woof en Jorrit Tamminga, en compositie aan de Musikhochschule Stuttgart bij Marco Stroppa. Momenteel doceert hij elektronische compositietechniek aan het KASK Conservatorium Gent.
EN - Jesse Broekman is a composer. His autonomous work has focussed on chamber music, with or without electronics. Central to this work is an attraction to sounds of an unstable and unpredictable nature. His electronic music focusses on trying to excite acoustic instruments by electronic means, rather then writing music for loudspeakers. He has been involved in a wide range of interdisciplinary projects ranging from music for dance, installations in collaboration with visual artists to writing chamber opera and creating musictheater for young audiences. He has worked with numerous musicians, ensembles and theaters. His work with Ensemble Oerknal, Ensemble Garage & Ensemble Proton has been especially important in shaping his writing.
Between 2005 and 2013 he studied philosophy at the University of Amsterdam, composition & music technology at the Utrecht School of Arts with Barbara Woof and Jorrit Tamminga, and composition at the Musikhochschule Stuttgart with Marco Stroppa. He currently teaches electronic composition technique at the KASK Conservatorium Gent.
On-Line
.
Luyten Roeland - OK Synth
OK Synth
NL - Het project "OK Synth" is de titel van een onderzoeksfase gericht op het creëren van tools in Pure Data die OSC- en MIDI-gegevens genereren om de parameters van plug-ins en synthesizers aan te sturen. Daarnaast onderzoekt het project een methodologie voor het opslaan van verschillende instellingen van deze gegevens om zo soepele of abrupte overgangen te kunnen maken tussen vooraf ingestelde waarden. De octofonische compositie die hier wordt gepresenteerd, is het resultaat van de eerste experimenten, waarbij uitsluitend synthetisch geluidsmateriaal wordt gebruikt.
FR - Le projet "OK Synth" est le titre d'une phase de recherche visant à créer des outils dans Pure Data qui génèrent des données OSC et MIDI pour contrôler les paramètres de plug-ins et de synthétiseurs. De plus, le projet explore une méthodologie pour sauvegarder différentes configurations de ces données et effectuer des transitions en douceur ou abruptes entre des valeurs prédéfinies. La composition octophonique présentée ici est le résultat des premiers essais, utilisant uniquement du matériel sonore synthétique.
EN - The project "OK Synth" is the title of a research phase aimed at creating tools in Pure Data that generate OSC and MIDI data to control the parameters of plug-ins and synthesizers. In addition, the project explores a methodology for storing various presets of this data and executing smooth or abrupt transitions between pre-set values. The octophonic composition presented here is the outcome of the initial experiments, exclusively employing synthesized sound material.
Bio
NL - Roeland Luyten (Leuven, België, 1977) is een componist van elektroakoestische muziek. Als kind was hij gefascineerd door science fiction- en horrorfilms en maakte op die manier kennis met elektronische geluiden. Als achtjarige jongen startte hij aan de academie in Leuven met lessen notenleer en dwarsfluit. Tijdens zijn puberjaren speelde Roeland met vrienden in een groep en leerde hij elektrische gitaar spelen en de bijhorende effecten-pedalen bedienen. Nadien besloot hij om verder te gaan met klassieke muziek en dwarsfluit aan het Koninklijk Conservatorium van Antwerpen. Daar vond hij zijn echte passie in de studio voor compositie elektroakoestische muziek onder leiding van Joris De Laet. Sindsdien is Roeland als muzikant-componist, geluids- en podiumtechnicus nauw betrokken bij verschillende theater- en dansproducties. Zijn muziek wordt gespeeld en ontving prijzen over de hele wereld.
FR - Roeland Luyten (Louvain, Belgique, 1977) est un compositeur de musique électroacoustique. Enfant, il est fasciné par les films de science-fiction et d'horreur et s'initie ainsi aux sons électroniques. À l'âge de huit ans, il commence à étudier le solfège et la flûte à l'académie de Louvain. Pendant son adolescence, Roeland a joué dans un groupe avec des amis et a appris à jouer de la guitare électrique et à utiliser les pédales d'effets correspondantes. Il a ensuite décidé de poursuivre ses études de musique classique et de flûte au Conservatoire royal d'Anvers. C'est là qu'il a trouvé sa véritable passion dans le studio de composition de musique électroacoustique sous la direction de Joris De Laet. Depuis lors, Roeland a été étroitement impliqué dans diverses productions de théâtre et de danse en tant que musicien-compositeur, technicien du son et de la scène. Sa musique a été jouée et récompensée dans le monde entier.
EN - Roeland Luyten (born in Leuven, Belgium in 1977) is a composer of electroacoustic music. He first encountered electroacoustic sounds through watching science-fiction and horror movies as a young boy. At eight years old, he started studying flute at the music academy in Louvain. During high school, he taught himself to play the electric guitar and experimented with effects pedals. While studying classical flute at the Royal Conservatory of Antwerp, he discovered his true passion in the studio for electroacoustic music composition under the direction of Joris De Laet. Since then, Roeland composes regularly new pieces and works as a musician-composer, sound engineer, and stage technician for various theater and dance productions in Belgium and abroad. His music has been played and has won prizes worldwide
On-Line
.
De Decker George - Coro
Coro
NL - In 1975 schrijft componist Luciano Berio een werk voor 40 zangers en 44 muzikanten: CORO.
De muziek, een mozaïek van klanken en teksten, is tegelijk narratief en overwelmend emotioneel. De sleutelzin van waaruit Berio vertrekt is een versregel van Pablo Neruda: "Venid a ver la sangre por las calles" of: "Kom en zie het bloed in de straten” - een cassante verwijzing naar de machtsgreep van generaal Pinochet in Chili in 1973.
In 2016 hoort George De Decker toevallig dit werk op de radio. Getroffen door de muziek en zonder de context van het werk te kennen begint hij een aantal doeken te schilderen, in het voor hem ongebruikelijk palet van rode tinten. Nadat hij de ontstaansgeschiedenis van het werk heeft achterhaald besluit hij een gelijknamige reeks te schilderen, bestaande uit 31 doeken (60 x 50 cm) – een verwijzing naar de 31 verhalen die gezongen worden in Berio’s werk. Elk doek is tegelijk individueel geconcipieerd én deel van een geheel: 31 stemmen met een eigen picturaal verhaal, 31 solo’s in een koor van schilderijen: Coro.
Deze schilderijen zijn dan weer de inspiratie geweest voor een compositie voor 8 luidsprekers met 3 vrouwelijke zangstemmen: Els Van Laethem, Anne Marie Honggokoesoemo, Herlinde Ghekiere
EN - In 1975 composer Luciano Berio wrote a work for 40 singers and 44 musicians: CORO.
The music – a mosaic of sounds and texts – is both narrative and overwhelmingly emotional. They key phrase, Berio’s point of departure, is a line borrowed from Chilean poet Pablo Neruda: ‘Venid a ver la sangre por las calles’ (Come and see the blood in the streets) – a hard-hitting reference to General Pinochet's seizure of power in Chile in 1973.
In 2016 George De Decker heard this work by chance on the radio. Moved by its music, but without knowing the context of the work, he began to paint a number of canvases in a for him unusual palette of reds. Later, when he found out the history of the work, he decided to paint a series of the same name: thirty-one canvases (60 x 50 cm) – a reference to the thirty-one episodes that are sung out in Berio's work. Each canvas is both individually conceived and a part of a whole: 31 voices, each with its own pictorial story, 31 solos in a chorus of paintings: Coro.
These paintings have in turn been the inspiration for a composition for 8 speakers with 3 female voices: Els Van Laethem, Anne Marie Honggokoesoemo, Herlinde Ghekiere.
Bio
NL - George De Decker (°1951, Asse, België) is een componist en kunstenaar die woont en werkt in Sint-Katelijne-Waver.
Hij studeerde piano, compositie en kunstgeschiedenis aan de Koninklijke Conservatoria van Antwerpen en Brussel, electronische muziek aan IPEM te Gent, alsook schilderkunst in de Academie van Anderlecht.
Naast zijn composities met zowel solistisch werk (meestal met klankband) als werken voor groot symfonisch orkest en klankinstallaties, componeerde hij ook muziek voor film, televisie en theater. Vanaf 2008 presenteert hij zijn schilderijen in verschillende solo-, duo- en groepstentoonstellingen in België en Nederland.
De Decker realiseerde ook grote mixed media installaties waaronder 'Ørnen 1897' (2013), een gigantische houten zeppelin waarin hij beeldend werk, muziek en film combineert en 'Le bruit de la pensée' (2014), een permanente installatiereeks voor de gevangenis in Leuze-en-Hainaut (BE).
In 2016 richtte hij zijn eigen muziekensemble SP!TSBERGEN op.
In 2019 verscheen zijn compositie ‘Wit in Wit Goldberg Variations Revisited’ (2019) op CD, uitgevoerd door pianist Geert Callaert. De wereld-creatie vond plaats op 11 februari 2022 in de Zaal Henry Le Bœuf, Bozar, Brussel.
Als beeldend kunstenaar werkt George De Decker liefst in reeksen. Elk werk staat op zich en maakt ook deel uit van een geheel. De vaak literaire titels van zijn series, steeds geciteerd in de originele taal, kiest hij met de grootste zorg en verraden zijn grote affiniteit voor poëzie en literatuur.
Behalve schilderijen en muziekcomposities maakt hij sculpturen, video- en geluidsinstallaties.
FR - George De Decker (°1951, Asse, Belgique) est un artiste et compositeur de musique. Il vit et travaille à Wavre-Sainte-Catherine.
Il a étudié le piano, la composition et l’histoire de l’art aux Conservatoires royaux d’Anvers et de Bruxelles, la musique électronique à l’IPEM à Gand et la peinture à l’Académie d’Anderlecht.
Outre ses compositions musicales rassemblant à la fois des morceaux solos (en général avec une bande-son) et des œuvres pour de grands orchestres symphoniques et installations sonores, il est également à l’origine de bandes originales pour le cinéma, la télévision et le théâtre. À partir de 2008, il présente ses peintures lors de diverses expositions en solo, en duo et en groupe en Belgique et aux Pays-Bas.
De Decker a également réalisé d’importantes installations, dont « Ørnen 1897 » (2013), un dirigeable géant en bois au sein duquel il combine œuvres plastiques, musicales et cinématographiques, et « Le bruit de la pensée » (2014), un ensemble d’installations permanentes pour la prison de Leuze-en-Hainaut (BE).
En 2016, il fonde son propre ensemble musical SP!TSBERGEN.
En 2019, sa composition « Wit in wit », jouée par le pianiste Geert Callaert est enregistrée sur CD. La création mondiale a eu lieu le 11 février 2022 dans la salle Henry Le Bœuf, Bozar, Bruxelles.
Comme artiste plasticien polyvalent son travail se traduit en séries. Chaque œuvre est unique, mais fait également partie d’un tout. Il choisit avec soin les titres, souvent littéraires et toujours dans leur langue originale, de ses séries, qui trahissent son immense affinité pour la poésie et la littérature.
Outre des peintures et des compositions musicales, il crée aussi des sculptures et des installatiouens vidéo et sonores.
On-Line
Samenstelling en organisatie: Dirk Veulemans
Partners BOEM 2023: ComAV vzw | FeBeME - BeFEM NE FR EN
Contact BOEM : xboemx@xtelenetx.be (verwijder de x-tekens)
BOEM is op Facebook te vinden. Vind onze pagina leuk !
© 2023 BOEM
